Pedir perdón

• Reparto de personajes: 9/10
• Montaje: 7/10
• Banda sonora: 5/10
• Efectos especiales: 5/10
• Sonido: 7/10
• Dinamismo: 8,5/10
• Originalidad: 7/10
• Ambiente: 9/10
• Fotografía: 7,5/10
• Opinión personal: 7,5/10
• Media total: 7,25/10

Me ha sorprendido el señor Demme, si señor (en los dos sentidos posibles). No me esperaba gran cosa de su película Rachel getting married o "La boda de Rachel", si preferís el título español. Su sinopsis no prometía ningún despliegue de originalidad o de gran cine: Kym (una estupenda Anne Hathaway) sale de un centro de rehabilitación para pasar un fin de semana en su casa y asistir a la boda de su hermana Rachel (Rosemarie Dewitt). Lo que se plantea como una reunión familiar se tuerce cuando salen a colación viejas tensiones.

Hasta aquí todo muy sencillo, la historia más vieja que existe, el retorno del hijo pródigo.

Pero la verdad es que está tratada con un encanto y sensibilidad singulares.

Como dice Boyero, pretende ser cercana, humanista, compleja y emotiva. Según él mismo, no lo consigue (de hecho la califica de sosa y "a ratos pesadita", haciendo alarde de su lenguaje supuestamente "claro y sin tapujos", que a mi me parece más bien fuera de tono y lugar en la mayoría de ocasiones. Otra cosa es que normalmente coincida con él), según yo, no consigue lo que quiere pero logra otra cosa nada desdeñable.

Yo creo que Demme se equivocó a la hora de rodar esta historia tan accesible y ciertamente interesante como si de un Lars Von Trier edulcorado se tratase, es decir, acercándose a la imbecilidad supina del Dogma y todas sus chorradas (cámara en mano, sin cambios espaciotemporales, y el penoso intento de hacer que la música esté presente en la escena, algo que en mi opinión es absurdo y cargante). Quiso hacerlo profundo e intelectual, pero no supo. Bueno, no nos preocupemos, el resultado no es tan malo.

¿Que el director está un poco desorientado y no sabe lo que quiere? De acuerdo, pero sin querer ha logrado una película con un dramatismo superficial y gracias al trabajo de cámara, observado "a distancia", como situándonos fuera de la acción. Esta falta de empatía en la imagen es lo que, paradójicamente, hace a la película especial. Le da un aire de cotidianeidad, como de vídeo casero, transformando a la cinta en algo que parece un "collage" de recuerdos familiares que de por sí está vacío de todo sentimiento, pero que al acercarse a él resuenan en tu mente emociones pasadas.

Espero haberme explicado bien.

Qué decir del personaje principal de esta película, la mordaz, ingeniosa, atormentada y ex-drogadicta Kym. Anne Hathaway es lo que más brilla de toda la película, nos enternece, nos atemoriza. Es una gran actriz, que ha sido desaprovechada en multitud de ocasiones (como en su horrendo papel en la "Alicia" de Tim Burton). En general todos los miembros del reparto gozan de una naturalidad fresca, aunque con algún defecto de caracterización o recursos arquetípicos (recuerdo ahora el personaje del padre, que a ojos del espectador acaba pareciendo un completo estúpido por carencias de guión). También acusaría a los responsables de casting por elegir para los papeles de las hermanas a dos actrices con narices tan dispares como son Hathaway y Dewitt, pero apéndices nasales aparte, ambas están perfectas en sus respectivos roles.

Por mi parte nada más que decir salvo que Rachel getting married es una película notable, pero que se queda en "lo que pudo ser y no es". Demme debería dar las gracias a Hathaway y a la diosa Fortuna por sacarle las castañas del fuego. Dónde está el director de El silencio de los corderos...

Bob

¿Es preferible vivir como un monstruo o morir como un hombre bueno?

Llegó la hora de comentar la nueva y esperadísima del gran maestro del cine Martin Scorsese, Shutter Island, quien se ha llevado este año 2010 el premio honorífico Cecil B. DeMille en los Globos de Oro por su brillante carrera como realizador.

• Reparto de personajes: 10/10
• Montaje: 10/10
• Banda sonora: 10+/10
• Efectos especiales: 10/10
• Sonido: 10/10
• Dinamismo: 10/10
• Originalidad: 10/10
• Ambiente: 10+/10
• Fotografía: 10/10
• Opinión personal: 10/10
• Media total: 10,2/10

Los agentes Edward Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) llegan a una remota isla de Boston en la que se encuentra una institución psiquiátrica única en el mundo: en ella están los criminales más perturbados y peligrosos, y una de ellos se ha escapado. En su búsqueda de la fugitiva Rachel Solando, Daniels y Aule llegarán a descubrir que en esa institución hay secretos que todos conocen y que nadie desvela. Quizás nunca consigan salir de la isla...

No sé que puedo decir de Shutter Island: cuando uno se encuentra la perfección, es más difícil describirla que denostar los fracasos. Supongo que es más sencillo y humano realizar mis elogios sistemáticamente, es decir: vamos por partes.

Lo primero en lo que inevitablemente te fijas es en la cinematografía de la película, a cargo de Robert Richardson, grande entre los grandes y colaborador habitual, entre otros del propio Scorsese y Oliver Stone y responsable de bellezas sublimes como The Aviator o la saga Kill Bill, que es toda una lección de cómo se debe hacer cine para impresionar al espectador medianamente experimentado. En Shutter Island, lo que nos muestra la pantalla del cine es un luminoso cuadro neoclásico revestido de una atmósfera "años 50" que alude a la decadencia, o, digamos a la "simplicidad" de la Serie B. Si aplicamos este patrón a un paraje que yo al menos nunca he visto en el cine, como es la susodicha y tétrica isla, los pasillos del manicomio, el mar y el tiempo tormentoso, obtenemos un aspecto visual que sobrepasa la más excelsa perfección, de aires románticos aderezados con una utilización de la banda sonora que juega con las emociones del espectador y contribuye a crear más tensión dramática.

Scorsese de nuevo se rodea de un reparto increíble, encabezado por su actor fetiche II, Leonardo DiCaprio, que espero se lleve el oscar de una vez por todas con su papel del agente judicial Teddy Daniels y las dos nominaciones que pronostico que tendrá (Inception, Shutter Island), y una serie de secundarios que no hacen más que aumentar la atmósfera opresiva del filme con sus buenísimas actuaciones: Mark Ruffalo, Ben "Mahatma" Kingsley y el perturbador Max Von Sidow.

Es muy curioso en el ritmo narrativo cómo se van caracterizando y se va ahondando en los personajes clave de la trama: el agente Daniels y Rachel Solando. Las escenas oníricas, aunque supongo que habrá quien quiera criticarlas, son en mi opinión, un punto fuerte de la película que contribuye a esta caracterización, a nivel superficial y profundo, y su estética es maravillosa: el fuego, el humo, esos brillantes tonos pastel en contraste con colores más intensos. Una pasada, vamos.

La ágil y dinámica cámara de Scorsese avanza imparable por un fabuloso thriller psicológico que tiene el honor de ser la primera película que logra sorprenderme desde hace años. Y qué decir de la eterna colaboradora del director, Thelma Schoonmaker, encargada del montaje, que una vez más es perfecto.

Y ya no sé qué más decir. En mi opinión es perfecta, y Martin Scorsese, película tras película, se gana mi admiración y el título por mi parte de mejor director del tiempo actual. Espero con ansias sus próximas obras.

Bob

Becoming George

Un hombre Soltero (A Single Man, para los maniáticos, como yo) siempre me llamó la atención desde que supe de ella por primera vez. Pues bien, he de decir que no me ha decepcionado en absoluto.

• Reparto de personajes: 10/10
• Montaje: 8/10
• Banda sonora original: 10/10
• Efectos especiales: 7/10
• Sonido: 8/10
• Dinamismo: 6/10
• Originalidad: 7/10
• Ambiente: 10/10
• Fotografía: 9/10
• Opinión personal: 9/10
• Media total: 8,4/10

Esta es, indudablemente, una historia con "alma humana", como lo fue para mí el grandioso recital de Sofia Coppola en Lost in translation, con un guión bastante alternativo (basado en la novela homónima de Christopher Isherwood) que se basa principalmente en los sentimientos, en la propia naturaleza del ser humano y su reticencia a los cambios, al tiempo que la película se estructura como otras muchas, de manera muy simétrica, incluyendo ese sentir profundo de orden cósmico que aporta seguridad y agrada tanto al ser humano. No espero que hayáis entendido a qué me refiero, pero diré que estoy aludiendo al final.

Sí, el guión tiene un gran potencial, pero en mi opinión, está tratado probablemente con excesiva trascendencia, lo cual causa ocasionalmente una sensación de afectación e histrionismo que paradójicamente acaba por coartar la profunda dimensión dramática de la película. Lo atribuyo a la mano "inexperta" (nótense las comillas) del director debutante Tom Ford, aclamado diseñador de moda que ha demostrado ser igual de talentoso en el séptimo arte.

Se podrían escribir párrafos y párrafos acerca de Colin Firth en esta película. Cierto es que su papel tiene una carga emocional importante, pero por contradictorio que parezca, no posee esa "chispa dramática" que permite a un actor lucirse. Y sin embargo se luce. Y no se luce por tener un acceso de ira, sufrir un momento de extrema tristeza o llevar sus emociones al extremo. No. Se luce con naturalidad, con sencillez, se luce por adaptarse a su papel con absoluta perfección, por diluirse en la mente de George Falconer, profesor universitario inglés mutilado por la muerte de su novio, Jim (Matthew Goode), y convertirse en esa otra persona.

Qué decir también de Julianne Moore, una de mis actrices favoritas y que siempre está magnífica. Sus escenas son, en mi opinión ,algunas de las más logradas estéticamente (impagable la belleza visual del momento en que se maquilla frente al espejo).

Así que, vengo a decir que en el apartado interpretativo, todo está perfectamente en su sitio, y esto es algo que confiere una grandeza inusitada a la película.

Construida con gran perfeccionismo e innegable buen gusto en cada uno de sus planos, con una fotografía, llamémosla perfecta, si de algo hay que acusar a A Single Man, es de su ritmo ligeramente lento y de su obstinada insistencia en unos primeros planos estáticos, que en ocasiones sólo pueden soportarse gracias a la preciosa estética y atmósfera -todo muy años 60- que destila el filme.

La banda sonora de Abel Korzeniowski, brillante y omnipresente en la cinta, la dota de aires oníricos, y el compás ternario convierte a la música de esta película en una maravilla. Sería injusto hablar de la banda sonora y obviar al que, con permiso de Korzeniowski y en mi opinión, compuso la pieza más bella (George's waltz), el japonés Shigeru Umebayashi, encargado de la música adicional en multitud de películas, y que tiene unos golpes de genio compositivo realmente originales (por ejemplo, el Yumeji's theme que tantos sentimientos suscita en la exquisita película de Wong Kar-wai In the mood for love).

Definitivamente, aunque nadie haga mucho caso a esta película cuyo mercado, la verdad, es bastante reducido, estamos ante una pequeña joya muy digna de ver y que es un éxtasis visual para cualquier amante del cine.

Bob

Cuando Sherlock boxea, yo cierro los ojos

• Reparto de personajes: 7/10
• Montaje: 7/10
• Banda sonora original: 7/10
• Efectos especiales: 7/10
• Sonido: 8/10
• Dinamismo: 6/10
• Originalidad: 6/10
• Ambiente: 9/10
• Fotografía: 5/10
• Opinión personal: 7/10
• Media total: 6,9/10

Muy bonita, todo muy bien ambientado, una actuación de Downey Junior bastante convincente y otra de Jude Law que no ha dado lo mejor de sí, un argumento entretenido, tirando a interesante y una banda sonora muy imaginativa y bien utilizada. ¿Qué pasa? Que la idea de ver al brillante detective Sherlock Homes dando puñetazos a diestro y siniestro, así porque sí, como que no me convence. Más bien me suena a business, si sabéis a lo que me refiero. Holmes era adicto a la cocaína, no a los puñetazos, y tocaba el violín, no pulsaba las cuerdas. Pero bueno, no todo tiene que ser grandes obras.

Como el Sherlock de Downey Junior haría, analicemos a este mero entretenimiento: uno, una melancólica y distorsionada melodía saluda a tus oídos, que pronto saben captar la originalidad musical y presienten que esta va a ser una de esas "pelis inteligentes", pero, nada más lejos de la realidad; dos, la música cambia a un tempo más convencional y más rápido y pierde bastante de su magia inicial; tres, la cámara empieza a moverse muy rápido, como en una vulgar película de acción, empiezan a salir rostros y cosas que no reconoces, la locura está servida; cuatro, no sabes muy bien por qué, pero de repente Robert Downey Jr. está calculando como deshacerse de un hombre con una serie de golpes magistrales que impedirán la recuperación completa de sus facultades; cinco, entre Holmes y la policía londinense arrestan a un hombre -bastante feo- que está realizando algún tipo de ritual. Inmediatamente huele a chamusquina. Lo cierto es que el principio no ayuda. Probabilidad de aburrimiento: más bien elevada, síntomas de buen cine: no en abundancia.

Pero bueno, basta ya de martirizar a la película, porque a pesar del gusto comercial de Ritchie por la acción y las escenas que parecen mucho y no dicen nada, el guión, simple aunque innecesariamente retorcido, avanza implacablemente y hace remontar la cinta, y eso junto con el gozoso apartado artístico-técnico y el impagable carisma de Downey Junior te mantiene pegado al asiento, entretenido y disfrutando. Vamos a ver, no es una gran obra maestra, pero las películas "ligeras" también tienen derecho a existir, sobre todo teniendo en cuenta la maravillosa recreación del ambiente victoriano, al servicio completo de las necesidades de la película. Y ver el Tower Bridge en construcción, es una especie de placer histórico. En fin, tampoco quiero demonizar a este moderno Sherlock Holmes. Sólo añado que si queréis pasar un buen rato, arriesgaos a verla, lo más seguro es que os guste mucho, o cuanto menos que os entretenga. Lo reitero, sólo por ver a Robert Downey Junior en acción en el Londres victoriano, ya casi merece la pena.

Bob

Sentimentalismos y Sentimientos, todo redundante

En principio, de las diez nominadas al Oscar me esperaba grandes películas, como suelen ser normalmente, pero este año, una de ellas ha roto la cadena, pero por completo. Y es que es definitivo, el sentimentalismo y los dramas-que-hacen-llorar, vuelven a cautivar los corazones de los miembros de la Academia, como pasó el año pasado -pese a que la múltiple ganadora del 2008, fue buena película, pero sobrevalorada-, y ha pasado en varias ocasiones. Muchas buenas películas se han quedado en el camino a los conocidos premios de la Academia de cine de Norteamérica, sin embargo, una mala película, se coló en las diez privilegiadas: Precious.

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• Reparto de personajes: 6/10
• Montaje: 6/10
• Banda sonora original: 6/10
• Efectos especiales: 6/10
• Sonido: 6/10
• Dinamismo: 2/10
• Originalidad: 4/10
• Ambiente: 6/10
• Fotografía: 8/10
• Opinión personal: 4/10
• Media total: 5,4/10

Precious. Sí, preciosa, maravillosa. NÓTESE la ironía. Bueno, contaré un poco el argumento (si es que en realidad tiene alguno, porque yo no he visto casi ni conflicto) de este filme, carente casi de sentido (pero abundante en sentimiento).

Precious tiene tan solo dieciséis años, vive en Harlem (en un piso que parece interior), junto a sus padres, los cuales se hallan consumidos por diferentes consumiciones o envidias. Clarisse Precious Jones tiene un problema de obesidad mórbida, es seropositiva, es violada constantemente por su padre (con el cuál ha tenido dos hijos) y es maltratada por su madre, la cual le tiene envidia en causa al conflicto con su padre. Y todo esto, sumado a su analfabetismo. Esta difícil situación llevará a Clarisse P Jones a ingresar en una escuela especial en la que intentará alejarse de este mundo, en la que intentará rehabilitarse, lograr escapar de todo el mundo que le rodea, y poder criar a sus dos hijos en paz, y viviendo una vida como la de otro cualquiera.

Ahora vayamos con la crítica, porque tiene tela Precious, vaya telita con la película. Un guión que me ha resultado indiferente, que está hecho adrede para hacer llorar a toda la gente que suele reír/llorar/no entender cualquier película, tanto en una comedia de American Pie, como en un drama, sin drama (Ejemplo: Precious), en el que para mí llorar es un gasto tan innecesario como el de intentar instruir en la cultura a George W Bush. Bueno, y es que los personajes de esta historia me son totalmente estereotipados (en sus respectivos campos), tanto como la hija maltratada y abusada por su padre, la madre (¿alcohólica?, ya que no se deja demasiado claro durante el film) y totalmente celosa de su hija, y esa relación tan drámatica, pero tan actual, que se sucede en muchas partes del mundo en estos mismos instantes; por lo tanto, os preguntaréis, ¿si este relato es tan real y conmovedor, por qué no te ha gustado? sencillo, me suelen gustar este tipo de historias, pero me gustan las historias en las que aparte de ver un drama actual, vea algo más, una película en la cual el guión vaya más allá. Y Precious, no lo ha conseguido conmigo, no me ha conmovido, no me ha hecho llorar, todo lo contrario: He quedado totalmente indiferente tras esta producción.

Pero también tiene sus partes buenas, para ser francos. Técnicamente es bastante buena, pese a que el montaje y el sonido suele noquarme constantemente, pero en realidad, no está del todo mal. La banda sonora ha sido interesante, pero no me ha acabado por convencer. Por el resto, no está del todo horrible. Estas son las pocas razones por las que le he puesto a Precious un cinco de nota media.

Y por último, analizar el final, que tiene poco para analizar, sinceramente, ya que ha sido simple y totalmente previsible. Y la conclusión final, es que no me ha gustado. ¿Ha quedado claro?

endlesslycarlaiel

Mon Chéri

Es lo que mejor saben hacer los cineastas ingleses. Y no es un tópico ni nada por el estilo, a las pruebas me remito: Gosford Park, Howards End, The Remains of the day o la sublime Dangerous Liaisons (Las Amistades Peligrosas). Cine de época. Y aunque en Chéri la "época" sea a finales del siglo XIX, su director, Stephen Frears cuenta con uno de los mejores avales posibles en el campo de las historias de tiempos pretéritos -Las Amistades Peligrosas- también con la actuación estelar de la gran actriz que ha demostrado ser Michelle Pffeifer.

• Reparto de personajes: 9/10
• Montaje: 9/10
• Banda sonora original: 8/10
• Efectos especiales: 8/10
• Sonido: 8/10
• Dinamismo: 7/10
• Originalidad: 6/10
• Ambiente: 10+/10
• Fotografía: 9/10
• Opinión personal: 8/10
• Media total: 8,3/10

Debería empezar diciendo que la estética del filme ya de por sí debería ser un aliciente suficiente como para verla. Es increíble con qué refinado y exquisito buen gusto está construido cada plano, qué brillo y combinación de colores, que maravilloso aprovechamiento de unos decorados con carga simbólica y también qué magnifico vestuario. Bien, quizás el argumento adolezca de una cierta simplicidad y la película en sí no es que sea una maravilla del intelecto, pero el soporte de esta historia, yo lo compro. Me vienen ahora mismo dos escenas a la memoria, una de ellas, un plano panorámico de la costa de Biarritz, con el mar azul que se pierde en el horizonte, y la otra, el paseo por el túnel de flores. En fin, cinematografía si no perfecta, rozando el límite, y diseño de producción, portentoso.

Michelle Pffeifer, Rupert Friend y Kathy Bates y otros intérpretes de no menos talento se sumen en un mundo que se nota decadente y al borde del cambio, como ya he dicho, bellamente representado y aderezado con una música ciertamente original (aunque no me atrevería a decir del todo que adecuada) de mi gran ídolo entre los ídolos Alexandre Desplat, compositor que cuando hace una banda sonora, pone toda la carne en el asador y se entrega a ella en cuerpo y alma. Luego, claro, las músicas que le salen tocan la fibra sensible de cualquiera. No es el mejor trabajo de Desplat, pero los sonidos electrónicos forman una curiosa pareja con la sociedad de finales de XIX, hay que reconocerlo.

Sólo me queda un apartado que comentar, y es que no sé si la novela de Colette estaba tan falta de movimiento y de ese "algo", llamémoslo "alma" que hace que rápidamente centres toda tu atención y enfoques cada recoveco de tu mente a la historia que pretenden contarte o es que a Frears no le interesaba mucho interesar -valga la redundancia-. Se nota como a medio gas, perdiendo fuelle, y al final cuando uno, la verdad, empieza a cansarse de tanto vaivén narrativo sin sentido (que si me caso con esta, que si la dejo, que si vuelvo...), la tensión dramática se pierde, y el final, en lugar de apoteósico resulta más bien tonto. Aunque si de verdad has sido absorbido por la sentimentalidad de la película (para ser justos, sobre todo gracias a todo aquello que he nombrado en los dos primeros párrafos), ten por seguro que no alcanzarás el final de la película sin que algo se mueva en tu propia conciencia empática.

En fin, entretenida película, muy bien hecha, muy bien interpretada (de Kathy Bates no se pueden decir más que halagos, como siempre) pero no tan bien contada o no demasiado bien ideada. La recomiendo encarecidamente, sobre todo si tenéis el día sentimental.

Bob

¡Drenaaaje! ¡Drenaaaje, Eli!

Nominada a 8 Premios de la Academia (mejor película, director, guión adaptado, actor, edición de sonido, fotografía, dirección artística, montaje) y ganadora SÓLO de 2 (mejor actor, Daniel Day-Lewis y mejor fotografía -primó aquí el sentido común, gracias a Dios-), ésta se ha convertido en una de mis nuevas películas preferidas...

• Reparto de personajes: 10+/10
• Montaje: 10/10
• Banda sonora original: 10/10
• Efectos especiales: 10/10
• Sonido: 10/10
• Dinamismo: 9/10
• Originalidad: 10/10
• Ambiente: 10/10
• Fotografía: 10/10
• Opinión personal: 10/10
• Media total: 10/10

Ante todo There Will Be Blood (Pozos de ambición o Petróleo sangriento, como quieran llamarla, a mi por primera vez y excepcionalmente me gustan los tres títulos), más que una película con un argumento lineal y más o menos reconocible, es una suerte de collage moral impecablemente representado en la pantalla. Ya desde un primer momento la cinematografía -no existe adjetivo que la describa, así que nos contentaremos con "perfecta"- cruda y brillante te deja boquiabierto. El comienzo del filme es austero, diríase incluso que innecesariamente austero, pero a pesar de todo, funciona bien como introducción. A partir de las primeras escenas, vemos como -en un tiempo récord-, un Daniel Day-Lewis impresionante como el empresario petrolífero Daniel Plainview se hace rico casi de la nada, gracias al oro negro de las entrañas de la tierra.

El posterior desarrollo de la película podría definirse como un fresco de la pequeña sociedad de Little Boston, desde dos puntos de vista muy claros: la ambición del magnate petrolero que ha llegado al pueblo para aumentar su fortuna y el fervor religioso de la comunidad, encarnado en la Iglesia de la Tercera Revelación, y especialmente en su predicador, el turbio y teatral Eli Sunday (interpretado magníficamente por el joven Paul Dano), todo esto siempre centrándose en la "evolución" del personaje de Day-Lewis.

La trama se llena rápidamente de codicia, pasiones, egoísmo, tragedia, confusión, enredos, religión, conspiración, todo unido en un esbozo de las emociones humanas más oscuras, llegando al abandono, al cinismo más exacerbado y al extremo del asesinato. Todo este desfile fílmico sacude la empatía del espectador hasta límites insospechados.

No finalizaré esta "crítica" (y tengo que poner las comillas) sin hablar de la banda sonora, que no tiene absolutamente ningún sentido aislada de la película, pero que integrada en ella con la maestría con la que se ha hecho es fundamental para la carga emocional, y más aún, es original, y a pesar de sus asonancias (Dios bendiga a Jonny Greenwood) un agradable compañero en todo momento, con eso que yo llamo "strings en ominoso crescendo".

Y es que no sé qué decir para no estropear la visión de esta joya. En mi opinión es una obra maestra de un prometedor director al que seguiré la pista. Vaya, no voy a perder la oportunidad de recalcar el gran trabajo de Day-Lewis (uno de mis actores preferidos) al que encontré especialmente brillante en las dos escenas en las que vapulea al execrable Eli Sunday, al que se termina por odiar casi sin razones concretas. Qué le vamos a hacer, el sadismo está de moda...

Bob

Colchón quemado y gazpacho con formidol

Bueno, hace un tiempecillo que ho hago críticas, y aquí va la de una de mis películas favoritas, y conocidas por todos. Mujeres al borde de un ataque de nervios creo que es, junto a Todo sobre mi madre, una de las obras maestras de Almodóvar, pese a que me caiga mal, como a mucha gente le pasa. Guión insuperable y personas con un carisma aplastante, ¡allá vamos!

• Reparto de personajes: 10/10
• Montaje: 8/10
• Banda sonora original: 10/10
• Efectos especiales: 9/10
• Sonido: 10/10
• Dinamismo: 10+/10
• Originalidad: 10+/10
• Ambiente: 10/10
• Fotografía: 10/10
• Opinión personal: 10+/10
• Media total: 10/10

Os preguntaréis, ¿qué tiene esta película como para obtener un 10 de media? Pues todo. En principio, si sois reacios a ver cine español, quitaos todo tipo de prejuicios y empezad por esta maravilla del séptimo arte.

¿Qué tal si os cuento un poco su argumento? Una mujer que trabaja doblando películas descubre que su amante, el cual tiene una esposa que ha estado en el psiquiátrico, está con otra mujer, y se va de viaje. Un cúmulo de situaciones situan a la amiga de la protagonista -la cual está metida en un follón de atentados terroristas-, al hijo de su amante -el cual es tartamudo-, su novia -que prueba el gazpacho dopado con tranquilizantes- y a un montón de policías, y gente, que ni el camarote de los hermanos Marx.

Un reparto de personajes que se superan a sí mismos en cada fotograma, y cuyos papeles acabamos por entender, pero sin saber por qué, ya que todas sus acciones son insanas y sinsentidos.

Escuchamos una banda sonora a la cual no sabemos como responder: ¿lloramos, reímos, o qué? Me encanta. Una película muy dinámica y además, una de las más originales que he visto. Se la recomiendo a cualquiera que quiera ver buen cine, pero que tenga además ganas de reír y llorar en una misma película. A veces lloras de la risa, y en otras ríes por no llorar.

También os encontraréis con un universo de colores y ropas extravagantes (como los pendientes de María Barranco, que se distinguen porque son cafeteras express pero en miniatura, más bien).

Y no hay mucho más que contar, sí, lo sé, vengo tarde al blog y encima traigo una entrada corta, pero prometo una próxima más extensa.

endlesslycarlaiel

Te veo...

No pienso empezar diciendo, como hace todo el mundo "la largamente esperada Avatar". Principalmente porque yo no fui uno de esos que confió en Cameron desde el principio y que siempre quiso ver lo que el director canadiense nos ofrecía. No, a mi me llegó más tarde y con menos intensidad. Pero mentiría si dijese que no esperaba verla como agua de mayo. Y sin más palabrería de esta que a nadie le interesa, acabo mi ya consabida introducción que tanto me gusta y entro en el tema...

-Antes de nada, advierto que la crítica contiene detalles de la trama-

• Reparto de personajes: 9/10
• Montaje: 9/10.
• Banda sonora original: 10/10.
• Efectos especiales: 10+/10.
• Sonido: 10/10.
• Dinamismo: 8/10.
• Originalidad: 8/10.
• Ambiente: 10/10.
• Fotografía: 10/10.
• Opinión personal: 8/10.
• Media total: 9,3/10.

Para ser sincero, debo empezar diciendo que Avatar es básicamente una película hecha para permitir el lucimiento de los magníficos avances técnicos en materia de animación por ordenador, captura de movimiento y expresiones y demás asuntos cinematográficos. Ese es quizás su único punto débil, junto con la ya conocida orientación comercial de su director, James Cameron, que dota a la trama de algunos asuntos ya bastante gastados y corrientes y una cierta enmarcación de los personajes en el tópico. Fuera de este pequeño inconveniente al que no voy a permitir que empañe mi crítica y mi opinión sobre Avatar, la película es francamente asombrosa, y no se la puede condenar, como parece que la gente está haciendo por ahí, por un motivo que no comprendo.

Sólo una fecunda imaginación, empecemos por ahí, es capaz de imaginar unos parajes tan bellos e inspiradores como los que cubren Pandora, y una biodiversidad tan rica y tan deliciosamente animada y creíble. Si la ambientación, los paisajes de Pandora son grandiosos, entonces no hay adjetivos posibles para describir la magnificencia de los Na'vi. Está clarísimo que estamos ante el futuro de la técnica cinematográfica. Si anteriormente Gollum fue para mí la cumbre de la animación, entonces los Na'vi están sin duda más arriba, coronando las nubes. Es increíble con qué realismo y precisión se trasladan los gestos y expresiones de los actores, sus movimientos (especialmente nombro a Zoe Saldaña y su encarnación, Neytiri, el personaje verdaderamente más fascinante de la historia, atractivo, sexy -por qué no decirlo, aunque sea una especie de gato simiesco azul- y sumamente interesante). James Cameron no ha fallado en este aspecto, y se ha consagrado como innovador y maestro del cine. No lo llamo "rey del mundo" porque me parece muy tonto el juego de palabras y estoy harto de verlo por ahí.

Pasando a otro asunto, la cultura de los Na'vi, tribalizada y hondamente ecológica, enlazada con ese "espíritu gaia" -Eywa, para los iniciados- que forma una red biológica y mística en el planeta (punto, a mi parecer, más interesante de la trama) está definitivamente bien plasmada en el filme, y la descripción de sus costumbres, de su manera de "Ver el bosque" a través del aprendizaje del personaje de Sam Worthington (Jake Sully) es bastante sutil, y si no, cuanto menos se hace amena y atractiva.

Y si el apartado visual está orientado a causar el asombro en el espectador, entonces qué decir de la épica partitura de James Horner. Quizás no llegue a los niveles de leyenda de Titanic, por poner un ejemplo de su extensa carrera, pero es como mínimo muy buena, y pienso que no puede discutirse que está muy acertada en cuanto a la película en sí. Utilizando percusiones con ritmos étnicos e instrumentos de viento madera para conseguir ese toque tribal de los Na'vi y ya cadencias más convencionales y sonidos electrónicos y menos místicos junto con la aparición de instrumentos de metal para el mundo humano hostil y de mente estrecha (representado en un genial Stephen Lang como el Coronel Quaritch) la música vuela de una escena a otra, sonando en los momentos precisos y de la forma precisa haciendo las delicias de aquellos cinéfilos que, como yo, amamos casi tanto la banda sonora como la propia película. Además, no está mal resaltar que a lo largo de la película se repite un leitmotiv (fruto del autoreciclaje de Horner, la verdad sea dicha), que al principio suena a Titanic (intencionadamente o no) pero que luego, en la tercera nota, adquiere un tono entre místico y esperanzado reforzado por la tribalización que ya comenté antes.

Esto parece interminable, y la verdad es que no he acabado. Me toca tratar la bastante cursi pero no desacertada historia romántica. Aunque no es el motivo principal de la trama, sí que tiene su relevancia y su curiosidad (el momento en que Jake, el humano, acaricia a su amante Na'vi, por ejemplo, me pareció muy tierno y atinado), y está relativamente bien tratada a pesar de sonar un tanto afectada en ocasiones. Y luego está el excesivo pudor con que se trata la demasiado efímera escena culmen de la unión entre Jake y Neytiri, que, la verdad podría haber sido un poco menos light (y esto es sólo una opinión y ninguna queja ni nada por el estilo) para darle más relevancia a la historia de amor. o por lo menos que el susodicho romance saliese a colación de una manera más importante, sin esa sensación de poca importancia (no me preguntéis cómo se hace eso, porque no lo sé. Cuestión de narrativa, supongo).

No me quería despedir sin hablar de Sigourney, la verdad. Weaver, a pesar de no ser una actriz apoteósica, ha sido siempre una de mis favoritas, quizás por ese aire frío y duro que imprime a todos sus personajes (la doctora Grace Augustine no es una excepción), con un fondo afable que no vacila en mostrar, a pesar de todo. Grace Augustine es un personaje carismático, bastante cómico y también con sus momentos dramáticos (no estoy seguro de si su muerte funciona al 100% en la trama), al que se le coge simpatía desde un primer momento.

Y bueno. Creo que ya he molestado bastante, así que, perdonadme si no he hablado lo suficientemente claro y espero de todo corazón que vayáis al cine a uniros al maravilloso y "extasiante" mundo de Pandora.

Bob

La guerra es una droga

Intenté conseguir ver esta película por todos los medios a mi alcance, pasando a través de muchas y variadas vicisitudes desde que vi que estaba nominada en los Golden Globes. Tras haber logrado acceder a ella, no sin mucho esfuerzo y desesperación, aquí estoy, tras mucho tiempo abandonado al estudio y la contemplación, de regreso en Seein' Motions y de nuevo con ganas de hablar de cine...

• Reparto de personajes: 9/10
• Montaje: 9/10.
• Banda sonora original: 8/10.
• Efectos especiales: 9/10.
• Sonido: 10/10.
• Dinamismo: 10/10.
• Originalidad: 10/10.
• Ambiente: 10/10.
• Fotografía: 9/10.
• Opinión personal: 9/10.
• Media total: 9,3/10.

The Hurt Locker es una película sobre la guerra de Iraq... Todo esto con la boca pequeña, porque yo diría que más bien es una cinta acerca de los soldados, que viven su día a día en mitad de una guerra en un terreno hostil y desconocido, como quien va a la oficina cada mañana en el metro, pero cambiando oficina por territorio hostil y metro por camión blindado.

Además de una buena dosis de acción, siempre muy recomendable para aderezar la trama, tensión casi constante, y unas leves pero impactantes pinceladas de amenaza, suspense e incluso terror (no del de vísceras, fantasmas y cosas de esas, no: terror REAL, del que existe, vaya), es esta una película altamente psicológica. Aunque no conozcamos la vida, obra y milagros de cada uno de los personajes, el filme nos muestra, muy discreta y sutilmente, la verdad, la personalidad y la psicología profunda de los miembros de la brigada de desactivación de explosivos, brillantemente interpretados, sobre todo por parte del alocado Jeremy Renner. Y todo esto, que es lo más importante, sin caer en el arquetipo clásico de una forma demasiado burda y directa.

A pesar de que la banda sonora, haciendo honor a la verdad, no sea uno de los puntos fuertes de la película (se parece sospechosamente a la de EL Caballero Oscuro, en esos "Strings" que ascienden en la escala en ominoso crescendo) y eso para mí suele ser un duro handicap, obviaré en este caso su falta de creatividad en este campo destacando que, aunque el material musical no sea del todo bueno, su uso es bastante inteligente, y bien combinado con el movimiento fresco de la cámara, que perpetuamente temblando se mueve de aquí para allá cuando es necesario, sin llegar a agobiar y se está quietecita cual estatua con algún ocasional zoom dramático muy adecuado si la historia lo requiere.

Sólo añadir que las peripecias de nuestra brigada de artificieros, además de estar contadas con perversa brillantez, tienen un je ne sais quoi bastante morboso que atrae sin piedad al espectador. También hay momentos duros, por supuesto, en los que desaparece el je ne sais quoi para ser sustituido por un je ne veux pas savoir quoi (y disculpadme el horrible juego de palabras construido con mi horrible francés, pero creo que servirá) que es inherente al género bélico que, por cierto, tanto me gusta.

Genial y original película que permanece en la memoria al menos durante unos horas. Créanme, Iraq nunca ha estado tan cerca de nosotros.

Bob

¡Voglio una donna!

Al fin me he atrevido a adentrarme en el mundo personal del italiano Federico Fellini. Quizás haya escogido mal la primera película suya que veo, puede que me crease falsas expectativas por lo que he leído o me han contado sobre Fellini. En fin, no puedo decir que Amarcord me haya decepcionado, pero desde luego, dista mucho de ser lo que yo creí que sería.

• Reparto de personajes: 8/10
• Montaje: 9/10.
• Banda sonora original: 10/10.
• Efectos especiales: 9/10.
• Sonido: 8/10.
• Dinamismo: 7/10.
• Originalidad: 7/10.
• Ambiente: 9/10.
• Fotografía: 9/10.
• Opinión personal: 8/10.
• Media total: 8,4/10.

Bien, el principal y casi único "defecto" (sí, yo me lanzo de lleno a lo malo)que le veo a la película es la brusquedad con que se nos presenta su singular modo narrativo y quizás también la ausencia inicial de intención de la historia. Y ahora me explico. Cuando empieza la película -tras haber disfrutado de unos minutos de los títulos de crédito con la fastuosa melodía de Nino Rota)- todo se siente muy lejos, inconexo, en un pueblecito italiano en su vida más o menos común, da la impresión de que no hay un punto concreto en que fijar la vista, quiero decir, un elemento en la narración que intuyas que tendrá relevancia, y que fije tu interés. Esta maniobra, seguramente intencionada, hizo, en mi caso que la narración in absentia en este principio, perdiera fuelle para los momentos más relevantes que vendrían después, más que provocar admiración hacia el fresco costumbrista y de corte más bien realista que se va perfilando ya desde ese principio, con mucha fuerza y que después está presente en toda la película.

Es, de todas formas, una sensación personal, que mucha gente discutirá, pero bueno. No estoy en ningún caso abogando por la narrativa simplona y comercial, de hecho soy un sincero admirador de las películas de David Lynch, que no destacan precisamente por cu convencionalismo narrativo, simplemente me hubiese gustado más la película si hubiese gozado de algún atisbo remoto de intención, es decir, que el argumento tuviese un motivo primordial ya desde un principio en lugar de ir esbozándose poco a poco. Cuestión de gustos.

Continuemos hablando acerca de la contraposición absoluta al """"fallo"""" narrativo: la inmensa y absolutamente genial caracterización de los personajes y de los ambientes. Y es algo que nadie podrá discutir. Se nota de principio a fin un intenso amor a los detalles, que son sin lugar a duda el principal aliciente de cualquier historia, cualquier película, expresión musical, visual o incluso de la vida misma. Con ese amor están pintados cada uno de los delirantes pero absolutamente creíbles personajes ("La Gradisca", "La Volpina", el abuelo, el pariente loco, cada uno de los profesores...) que desfilan por la exquisita ambientación que ya califiqué antes como "realista" y "costumbrista". Con diálogos que fluyen por su propia naturalidad y situaciones que aunque sin estar directamente relacionadas, sin seguir un continuo o causa-efecto, no pueden más que hacerte sonreír ante tal despliegue de arte cinematográfico. También he de decir que la introducción de Mussolini en la historia se nota al principio quizás un poco metido con calzador, pero tiempo después, te das cuenta de que encaja perfectamente en el relato del pueblo, y funciona perfectamente como un elemento más en él.

En fin, una película antológica, con momentos de levantarse del asiento, respirar hondo y volverse a sentar maravillado por el buen cine. Sí, es sin duda un filme de situaciones: el pueblo acudiendo en masa en barcazas al encuentro de un transatlántico, el abuelo inmerso en la espesa niebla creyendo haber muerto, la Internacional sonando desde el campanario, el interrogatorio, la inmensa nevada...

No quisiera hablar más de lo debido, así que no tengo nada más que decir, salvo que si veis Amarcord no quedaréis indiferentes y no os arrepentiréis de haberla visto. Ciao!

Bob

Guerra epistolar

El indiscutible maestro del cine Clint Eastwood realizó en 2006 una pareja de películas que narraban los acontecimientos que tuvieron lugar, durante la IIGM, en la batalla de Iwo Jima (Japón). En esta pequeña isla, los japoneses habían construido varios aeródromos, y en ella tenían instalado un radar con el que detectaban los ataques aéreos americanos mucho antes de que se produjeran. Sopesando las ventaja e inconvenientes que la toma de esa isla les reportaría, los americanos decidieron atacar y tomar Iwo jima. Cartas desde Iwo Jima es la historia del poder de la desesperación, la desesperanza y el absurdo patriotismo lleva a los hombres del destacamento japonés de Iwo Jima a defenderla con su vida, en una batalla cuyo final estaba previsto de antemano.

• Reparto de personajes: 10/10
• Montaje: 9/10.
• Banda sonora original: 9/10.
• Efectos especiales: 10/10.
• Sonido: 10+/10.
• Dinamismo: 9/10.
• Originalidad: 10/10.
• Ambiente: 10+/10.
• Fotografía: 10/10.
• Opinión personal: 10/10.
• Media total: 9,9/10.

La película comienza. Un grupo de personas excava en las tierras volcánicas, llenas de arena, ceniza y lapilli, y encuentran un fardo de cartas envueltas en tierra y polvo. Las cartas de los soldados de Iwo Jima. Entonces, el hilo narrativo de desplaza al pasado. Los soldados están excavando. No hacen más que cavar y cavar, y en al ambiente está el pensamiento general de que las trincheras serán también sus tumbas.

Desde un primer momento, la narración se apoya en el hilo conductor de la lectura en off de las cartas que se escriben en la isla, así como en su escritura en la propia acción directa del filme. Es un recurso interesante. Se utilizan las cartas como excusa para los sugestivos flashbacks, que a su vez es el principal modo que tenemos de conocer a fondo a los personajes, sus motivos, sus temores, todo aquello que dejaron atrás para ir a la -estúpida- guerra, y para dar unidad al conjunto de la película, aunque no estoy seguro de que sea una buena opción. Es brillante el uso que se hace de las epístolas para dar a conocer diferentes detalles de la trama de un modo indirecto y sublime, sin embargo, se siente también como algo forzado. Como una idea genial que surgió y no supieron realmente cómo llevarla a cabo. El resultado es un ritmo narrativo muy original y tremendamente entretenido, pero un poco carente de sentido.

De todas formas, siempre me regodeo en los fallos, pero normalmente son de calibre menor. Este es, desde luego el caso, puesto que tanto el guión, como las actuaciones, el montaje, la fotografía... Son absolutamente impresionantes.

Es una gran obra maestra, sí señor. Y creo que gran parte de su grandeza reside en el hecho de que se muestra la IIGM desde un punto de vista que pocas veces -si no ninguna- había surgido en el cine. Al menos en el cine de relativamente amplia difusión.

Porque, pensemos: ¿cuántas películas hay sobre l Segunda Guerra Mundial? Creo que millares. Es la excusa más utilizada durante toda la historia del cine para hacer una película. Sin embargo, la mayoría de las veces, las películas se centran -si son dramas- en las historias personales de aquellos que sufrieron en horror del holocausto, y si son películas de corte más bien bélico, hablan sobre la "grandeza" y el "valor" de las tropas aliadas, o bien tratan el tema de un modo aproximadamente objetivo, pero siempre, a pesar de todo, acercándose más a la facción "de los buenos".

Y veamos, ¿todas estas comillas que vienen? Pues vienen a que las guerras en general son todas, y discúlpenme la grosería, una mierda. En cartas desde Iwo Jima, Clint Eastwood te da la oportunidad de vivir muy de cerca la desesperación, el anhelo e imposibilidad de vivir y la destrucción que se puede vivir en esos momentos, desde un punto de vista totalmente nuevo: "los malos". Y vuelta con las comillas. En la película, no hay buenos, ni hay malos. Sólo hay dos bandos "enfrentados" (lo siento, no sé qué me pasa hoy con las comillas) que tratan de seguir viviendo un día más, con tal de no ceder.

Pero sigamos, sin salirnos por la tangente -aunque ya lo hayamos hecho- con la película en sí. Los soldados en Iwo Jima viven la llegada de un nuevo comandante (brillantemente interpretado, con todas sus sutilezas, por el actor Ken Watanabe -El Último Samurái-), con una forma nueva de entender la guerra. Inmediatamente, el comandante Kuribayashi, ordena la retirada de las tropas de la playa, para replegarse a la barrera de la roca volcánica, creando una red de túneles en el Monte Surabachi, búnkeres enterrados, trampas, fortificaciones...

Este ingenioso cambio estratégico fue lo que consiguió que, a pesar de unas condiciones de vida lamentables, con agua turbia, disentería por doquier, poca munición y sin ninguna clase de apoyo del Imperio, los japoneses aguantasen casi 40 días defendiendo su isla de los asaltos tecnológica y numerosamente superiores de los americanos. Kuribayashi advierte a sus soldados que no saldrán vivos de allí. Y así fue, pero aguantaron todo lo que pudieron, contra viento y marea, en las rocas de Iwo jima.

Bob

LA Película

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• Reparto de personajes: 9.5/10
• Montaje: 10/10
• Banda sonora original: 10+/10
• Efectos especiales: 9.5/10
• Sonido: 9.5/10
• Dinamismo: 9.5/10
• Originalidad: 10/10
• Ambiente: 10+/10
• Fotografía: 10+/10
• Opinión personal: 10/10
• Media total: 10+/10

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Debo aclarar, que sigo manteniéndome fiel a Titanic, y sigue en el primer puesto de mi ranking de gustos en cuanto a películas, pero tengo que reconocer que esta PELÍCULA, además de ser la mejor que he visto en toda mi vida, sigue al drama titánico muy de cerca.

He de decir, también, que es una película que aunque guste más o menos, si ves regularmente alguna que otra película -y si estás aquí es por que sí lo haces-, tienes que ver La lista de Schindler. Es algo como el peregrinaje a La Meca, solo que en la nuestra religión cinéfila. Es, símplemente, y lo habréis advertido en las votaciones que le he dado, perfecta. Nada más. Es así. Un ambiente inmejorable, un reparto casi perfecto, con una interpretación por parte de Ralph Fiennes, en primer lugar, y por otra parte, el rol de Liam Neeson, espectacular. Y sin contar su PERFECTÍSIMA banda sonora, la cual habréis escuchado en más de un anuncio de coches sin haberos dado cuenta. Hablemos sobre la fotografía, también. Una foto impactante, casi estremecedora. Un póster en el que se recoge algo casi tan estremecedor como el mismo argumento, una lista, una lista con nombres de gente que de algún u otro modo, pueden vivir o morir a elección de un hombre.

El argumento del filme es tan sumamente impresionante, que en un noventa por cierto del metraje el vello se mantiene de punta, incesante. Un rodaje de hace dieciséis años hecho en blanco y negro, exceptuando algunas perfectamente elegidas escenas en color rojo, amarillos pigmeos y otras pocas que hacen de escenas momentos inolvidables.

Y es que después de ver esta película, no puedes ver ninguna otra hasta dentro de varios días, ya que te absorve toda la energía, es como si te arrancase un parte de ti. No puedes dejar de pensar en las escenas, en los momentos, en el final...

¿Qué se os pasaría por la cabeza si os percatáseis de que un simple comerciante nazi, casi sin darse cuenta él mismo, está salvando miles de vidas de una muerte casi segura, salvando gentes de morir en cámaras de gas y de vivir los peores momentos de su vida?

Existen algunas escenas representativas que JAMÁS olvidaré, y le estoy agradecido a Spielberg por haberlas rodado. Una de ellas es la del exilio de los judios al guetto, en la que se percibe un cierto aire enrarecido y totalmente desanimado. Otra escena en la que se quema y destruye el guetto. La gente se esconde bajo los suelos, en grandes cisternas de excremento (sí, excremento), y en los sitios más insospechados, tales como un piano o en una cámara secreta bajo una alfombra. Otra de las escenas es la del viaje a Auschwitz, en el que una niña del exterior le hace un gesto a uno de los personajes que viaja en el tren, estremecedor. Letal.

En definitiva, decir que esto más que una película es LA película. Y que nadie debería morir sin haberla visto antes. Es totalmente perfecta, en mi humilde opinión. Y refleja el dolor de cientos de miles de personas que vivieron la guerra, y el sentimiento de un hombre que dio todo lo que tenía a cambio de salvar cientos de vidas.

endlesslycarlaiel

PD.- Os parecerá que todas las críticas que hago son buenas, pero es que prefiero hacerlas a las películas que realmente detesto, de todos modos, intentaré hacer un par o tres de críticas de pelis maluchas en los próximos días.

"Expiración"

Bob no puede dejar de ver una película cuya BSO ha ganado un Oscar, de modo que, allá vamos con la crítica de Expiación. -El cartel es horroroso, pero no es culpa mía-.

• Reparto de personajes: 9/10
• Montaje: 9/10.
• Banda sonora original: 10/10.
• Efectos especiales: 6/10.
• Sonido: 7/10.
• Dinamismo: 6/10.
• Originalidad: 7/10.
• Ambiente: 8/10.
• Fotografía: 8/10.
• Opinión personal: 7/10.
• Media total: 7,7/10.

Bien, vayamos por partes, como acostumbro a hacer. Expiación es la adaptación fílmica de una novela homónima de Ian McEwan, dirigida por Joe Wright, realizador también de Orgullo y Prejuicio y la reciente El Solista. Entre su reparto destaca la presencia de Keira -a ver si sé escribirlo- Knightley, James McAvoy o Saoirse Ronan, nominada, y con razón, a un premio Oscar por su excelente trabajo en esta película.

La historia se enmarca dentro del género dramático y romántico, y aunque algunos se empeñen en añadir también el bélico, en mi honesta opinión se equivocan: las escenas bélicas son, la verdad, más bien exiguas, y en ellas lo menos importante es la guerra, que aunque en el conjunto del filme se va intuyendo cada vez con más intensidad, como un telón de fondo, no vale como excusa real a la trama, es más un elemento casual que se integra inevitablemente en ella.

La película, todo hay que decirlo, comienza de una manera magistral, la primera hora -aproximadamente- es un continuo despliegue de arte y saber hacer, con unas apariciones estelares de Saoirse Ronan, cuyo personaje pretende ser el hilo conductor de la película.

Sí, empieza muy bien, pero a medida que pasa el tiempo y a pesar del genial montaje y las grandes interpretaciones aliñadas con una banda sonora espectacular y muy MUY original (que me presenten al que tuvo la idea de integrar el sonido de la máquina de escribir en la melodía que me postro a sus pies. Todo esto a pesar de que llega un momento que se hace pesada, pero no importa, es tan creativo y original que no importa) el ritmo narrativo va sufriendo un inexorable desgaste que tiene su clímax en el momento en que cambiamos de tercio, cambia el escenario, y la narración se sale por la tangente y comienza a agotar.

Los giros y recursos que tan inteligentes y originales parecían en la primera parte, empiezan a cansar, y a hacer la película más densa y difícil sin ninguna necesidad. Y aquí me temo que hay que aludir a las pretensiones -otra vez-. Me temo que las pretensiones demasiado infladas son la tumba de una buena película, y aquí podemos ver como una cinta que preseumiblemente podría haber sido una obra maestra -y de las buenas-, deja de serlo por culpa de una serie de tonterías sin sentido e injustificadas que desconciertan y desgastan la paciencia del espectador.

Y es que no se puede empezar prometiendo tanto y quedarse en tan poco...

Bob

PD: Nunca jamás en mi vida he dicho que sea una mala película, sólo que la han echado un poco a perder. A mi me ha encantado...

Perdido en la traducción

Hace un tiempo, sufrí un azote de curiosidad acerca de esta película, debido a su directora, Sofia Coppola. Quería saber si la estirpe familiar continuaría sirviendo fielmente al séptimo arte. El caso es que, ni corto ni perezoso, me dispuse a ver, juzgar y reflexionar.

• Reparto de personajes: 9/10
• Montaje: 9/10.
• Banda sonora original: 8/10.
• Efectos especiales: 7/10.
• Sonido: 9/10.
• Dinamismo: 10/10.
• Originalidad: 10+/10.
• Ambiente: 10/10.
• Fotografía: 10/10.
• Opinión personal: 10+/10.
• Media total: 9,4/10.

Como dije, Sofia Coppola dirige y escribe una apabullante historia de contrastes y humanismos, en la que la comedia se confunde con el drama de una manera tan exquisitamente elegante que consigue una empatía absoluta con el espectador. El trabajo del elenco de actores es inmejorable, mostrando un amplio abanico de emociones sin casi ningún esfuerzo, enfatizadas por un ambiente preciso y realista, e impreganadas con grandes dosis de ironía bien calculada. En otras palabras: el filme en conjunto está tan maravillosamente bien planeado que da la sensación de estar viendo una improvisación, algo espontáneo y muy humano.

En mi opinión, Lost in translation –que empieza a brillar ya con su maravilloso título- es un ejercicio de introspección en el que sale a relucir las más simples facetas de la naturaleza humana.

Coppola, que adquiera ya nombre propio para dejar de ser “La Hija De…”, nos regala multitud de magníficas escenas que perduran en la mente y en la retina, que, sin proponérselo siquiera, activan nuestros recuerdos y con mucho humor nos recuerdan al mismo tiempo que somos seres humanos.

A partir de una premisa y un argumento bastante simple (dos norteamericanos perdidos en el mundo colorista y alocado de Japón) los protagonistas nos ofrecen unas interpretaciones tan logradas que no parecen serlo. Cabe destacar la actuación de Bill Murray, que en mi opinión merecía el Oscar muchísimo más que Sean Penn (quién lo ganó por su participación en Mystic River, creo recordar…). Cuando acabas de ver la cinta, estás tan prendado de Bill Murray que incluso sientes ganas de rebobinar y volver a verla. Su personaje posee un finísimo y distinguido sentido del humor muy irónico, que ya desde un primer momento armoniza con el espectador.

Para concluir ya, valorándolo todo en su conjunto, diré que Lost in Translation es una muy buena película, muy bien pensada y técnicamente casi perfecta, con unas actuaciones que dejan a uno mudo de asombro y susceptible de provocar todo tipo de reacciones y emociones. El cine más humano que jamás he visto.

Bob

EL Velo Pintado

Anoche, desvelado y aburrido, sobre las cuatro y media de la mañana, me puse a ver una película que hacía tiempo que tenía ganas de ver. Ya conocía la trama por completo, así que pensé que sería un mero entretenimiento. Pero ¡ay! Sufro de una inmensa debilidad por las emociones humanas…

• Reparto de personajes: 10/10
• Montaje: 7/10.
• Banda sonora original: 10+/10.
• Efectos especiales: 7/10.
• Sonido: 6/10.
• Dinamismo: 8/10.
• Originalidad: 7/10.
• Ambiente: 8/10.
• Fotografía: 10/10.
• Opinión personal: 8/10.
• Media total: 7,2/10.

Como ya decía, sufro de una inmensa debilidad por las emociones intensas, y me resulta conmovedor verlas impresas en la pantalla o en las páginas de un libro, y en El Velo Pintado todo se trata de eso. La veo como una especie de experimento o experiencia acerca de lo que me tomo la libertad de llamar “La Estupidez Humana”, y me explico, de cómo a veces somos incapaces de aprovechar las oportunidades que se nos presentan y no vemos lo que tenemos delante ni lo que realmente deseamos.

Para seguir justificando mi absoluta falta de objetividad a la hora de juzgar esta película, tengo que mencionar al genio compositor de la vibrante, mágica y emocionante banda sonora: Alexandre Desplat. En todas sus composiciones hay una especie de halo que conecta a la película con el espectador de alguna forma casi mística, con unas melodías y fondos musicales que logran una empatía casi total con el alma de la historia. Así como en la hermosa banda sonora se lograba una omnipresente atmósfera de incredulidad y magia sin despuntar con las ambiciones de realismo, en esta ocasión, cada sutil pliegue de la música capta la expresión que va tomando el argumento, e intensifica la emotividad que ya de por sí tiene la película. Personalmente, me parece una obra maestra digna de un genio. Y sin nominación a los oscar, que ya me parece un insulto.

Continuemos: la fotografía es impecable. Es realmente buena. Los paisajes chinos captados a la perfección, la elegancia londinense, la extravagancia de Shanghai y finalmente la crudeza de los campos chinos.

Las actuaciones, ya por seguir alabando, son insuperables, sobre todo teniendo en cuenta que los actores principales son dos de mis favoritos: Edward Norton y Naomi Watts.

En resumen: si te decides por dejarte llevar por ella, es una obra de arte inigualable.

Bob